New Age被翻译为新世纪音乐，也被翻译成新纪元音乐，是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。New Age可以是纯 ACOUSTIC(即以传统自发声乐器演奏)的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 New Age音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐，WINDHAM HILL是最具代表性的New Age唱片公司，New Age代表乐手有ENYA，GEORGE WINSTON，WILLIAM ACKERMAN，YANNI，KITARO,萨顶顶等等。
New Age Music作为20世纪纯音乐的最大发现，来自于一种可以带来内在平静的审美观点。通常来说，它们是一些带着新世纪哲学理念的和谐与非破坏概念的唱片，它们可以鼓舞精神上的超脱和生理上的治疗，其中一些唱片既能给我们以艺术上的享受，又能给我们以精神上的恢复，更有一些音乐家，通过他们特别设计的音波和 “无污染构思”音乐理念来使听者的精神境界升华。
新世纪音乐是新世纪哲学的对应，它包容从现代轻松音乐一直到冥想型灵魂探索音乐。
新世纪音乐采用电子乐器，包括西方与非西方的乐器，及偶尔的歌唱，创造缓和的旋律来适应现代生活快节奏。
为寻求精神治疗和超越，新世纪音乐人时常借用非西方音乐的元素--就像新世纪哲学对非西方哲学的吸收一样。
这种介于轻音乐和古典音乐之间的新样式。它们大致上可分三大类。第一类是用自然乐器演奏的，包括一般听众熟悉的常规乐器，如钢琴、小提琴、吉他等等，其中被用得最多的，一方面是接近东方乐器音色的乐器，如双簧管、英国管等，另一方面，民间性质的乐器，如曼多林、手风琴、排箫等也常可听到；有些演奏者特别喜欢东方的打击乐器，如小铃、大锣和钟等，现在还有些新纪元音乐家热衷于把那些非洲的战鼓等原始的乐器掺入他们的音乐中，第二类则是电声乐器，它所制造的音响也偏重神秘的、飘渺的色彩，许多新纪元音乐家都是电脑音乐高手。第三类是前二者的混合。有些唱片商在制作这三类演奏形式时，往往还会加上自然界的音响，如鸟鸣林啸、风声鹤唳等等。
新世纪音乐作为在1970年代出现的一种音乐形式，最早用于帮助冥思及洁净心灵 。但许多后期的创作者认为，新世纪音乐不同于以前任何一种音乐，其丰富多彩、富于变换的特征不同以往，象征时代更替、诠释精神内涵。
自然新世纪主要取样于自然界的天然声响，如鸟鸣林啸、风声鹤唳等。在自然之声的基础上，加以自然乐器演奏，包括一般听众熟悉的常规乐器，如钢琴、小提琴、结他等等，其中被用得最多的一方面是接近东方乐器音色的乐器，如双簧管、英国管等，另一方面，民间性质的乐器，如曼多林、手风琴、排箫等也常可听到；有些演奏者特别喜欢东方的打击乐器，如小铃、大锣和钟等，现在还有些新世纪音乐家热衷于把那些非洲的战鼓等原始的乐器掺入他们的音乐中。有的则是电声乐器，它所制造的音响也偏重神秘的、飘渺的色彩，许多新世纪音乐家都是电脑音乐高手。
大自然，都是新世纪艺术家们所热衷的题材。自然新世纪运用最纾缓圆滑的旋律，以及高度放松、高度宁静的音乐情绪，一点一滴的安定、松放过度运作的交感神经细胞。让人享受真正得到休息后，所带来的宁静与幸福感。
精神音乐专辑的设计意图，在于通过聆听一些温和的音乐，以帮助听众探寻他们的精神世界，精神音乐专辑的基本结构以现代乐器为主，与普通器乐专辑的区别在于其设计意图与受众，人们或许也能从其他器乐专辑中寻得精神寄托，而精神音乐专辑却是以此为目的专门设计而成的
不要将这里的Ethnic Fusion和World Fusion（爵士音乐和世界音乐的融合）以及Worldbeat（加入了西方流行音乐元素的世界音乐）搞混了。Ethnic Fusion一般是建立在New Age音乐的声音和哲学之上，是将传统的各民族音乐融入当代的电子音乐中，以期在西方的偏重技术和自然与民族的文化间找到一种和谐与平衡。爵士音乐家Tony Scott和Don Cherry可能是第一次将世界音乐合成到西方音乐体裁中；Jon Hassell的著名的音乐拓宽了这些Ethnic Fusion实验的范围，并由此在70年代促成了这种音乐类型，后来他又在80年代早期和Ambient的先驱Brian Eno进行合作。渐渐地，这种音乐类型成了当代诸多敢于冒险的器乐家们借用新鲜的节奏和非西方的乐器来拓宽自身音乐领域的一种乐衷的方式，而另外一些人则是在独特的民族音乐中加入当代器乐或是新世纪音乐的成分。后者的艺术家如Clannad（塞尔特民谣）、Ottmar Liebert（弗拉门哥）、Kitaro（日本传统音乐）和R. Carlos Nakai（美国本土笛乐）。90年代早期，Enigma, Dead Can Dance和Deep Forest又在这种音乐中引入了俱乐部跳舞节奏以及混音技术，其应用可以从欧洲中世纪音乐直到采样的非洲土著音乐。但尽管如此，这种音乐也很少可能有更大的市场突破。
音乐也很少。常常用于宗教的祈祷祭祀活动的音乐！
Space 太空乐
音乐的太空时代始于霍尔斯特。1918年，他的《行星》组曲上演的时候就已经让听众大吃一惊，霍尔斯特身处新旧时代的交汇点。他的音乐中保留了晚期浪漫派的庞大和幽远，又加入了现代音乐独有的神秘感和紧张度。进入1900年以后，科学的飞速发展极大地影响和改变了作曲家的宇宙观。《行星》组曲的七个乐章分别对应太阳系的七大行星(地球未包括，冥王星则尚未发现)，作曲家不再拘泥于行星古代神话中相同名字的神，全曲要表达的是在众行星间作宇宙漫游而不是宗教崇拜。生动的音乐形象、优美的意境、浅显的音乐语言使这部作品成了管弦乐曲的经典曲目之一，并且直接影响了后来的《星球大战》、《异形》等电影配乐。
与《行星》组曲有异曲同工之妙的还有理查•斯特劳斯的《查拉图斯特拉如是说》。这部作品被用在库布里克的电影《2001年太空漫游》中，当日光划破黑暗的宇宙，随之而来是由远及近的隆隆鼓声。这部交响诗正是表现人类在对自身的思考中不断进步。配合影片的背景，更让人顿生无数暇想，但觉时空无穷。影片摄于1968年，是在阿姆斯特朗登月的前一年。
科幻电影时代
科幻电影从七十年代起广受欢迎，电影配乐也随之崛起。尽管由于众所周知的原因，太空中其实是寂静无声的。但在欣赏电影时，谁又会对太空中的爆炸、射击、音乐声感到奇怪呢？以约翰•威廉斯和范吉利斯为首的作曲家们创作出众多宏伟、感人的太空音乐来烘托影片所极力要传达给观众的那种神秘的、虚无飘渺的气氛。70年代，范吉利斯全心投入电子音乐创作，并转往伦敦为电影制作配乐，开启他辉煌的电影配乐时代，其中包括1981年荣获奥斯卡金像奖最佳配乐的《火之战车》、1982年的《银翼杀手》、1983年的《南极物语》、1992年的《1492征服天堂》等重要作品，范吉利斯开创了电子音乐与电影配乐的崭新前景，奠定了所谓未来太空音乐的发展。国际天文联盟甚至决定将新发现的“6354号星云”正式定名为“范吉利斯”，藉以向这位音乐大师致敬。
太空摇滚时代
流行音乐家们也不甘落后于时代，在他们的努力下，一个新的摇滚乐风格在70年代被创造出来，这就是太空摇滚乐。太空摇滚通常都是缓慢的、有催眠效果的。它往往具有大量沉重的混响吉他、尽量减到最低的鼓声、以及温和而无力的人声。它比传统的歌曲结构更长、包含了更能使人产生幻觉的音速探索，有时候音乐家们还会在作品中加入例如小提琴之类的乐器伴奏来丰富其音响结构。
Yes乐队1970年发行的专辑《Timeand a World》中部分歌曲贯穿着气势恢宏的管弦乐，这张专辑初步显示出Yes乐队著名的太空音乐元素的神秘感。1971年4月Yes乐队的专辑《The Yes Album》的发行则引来了公众更多的惊奇的目光。其中以同名小说命名的歌曲“(星河舰队)”(Starship Prooper)进一步确立了乐队太空音乐的形象。整张专辑由乐曲构成的创意尚无先例，Tony Kaye丰富而优扬的键盘和风琴，Steve Howe尖锐呼啸的吉他，Chris Squire浑厚而有弹性的贝斯，以及 Jon Anderson的假声共同构成了一幅意境幽远的音响图画，唤起人们无尽的想像。而接下来的《来自海洋的传说(Tales From Topographic Oceans)》更是把人们带到了一个只在科幻小说中存在的世界。
另一支著名的乐队Pink Floyd也在1973年的经典专辑《月亮的阴暗面(the Dark Side of Moon)》中发挥了他们对太空的超凡的想象力。而他们对宇宙神秘性的激情早在乐队的第一张专辑中就已经显露出来。
同样来自英国的大卫•鲍伊早在1969年就创作了歌曲《Space Oddity》，这首歌讲述了一名宇航员在航天过程中遇到危险而无法返回地球的故事。几年后阿波罗13号在返航过程中真的遇上了故障，幸运的是3名宇航员顺利地回来了。到了1972年，大卫•鲍伊再一次涉足太空主题，这次他是以火星蜘蛛人的身份出现在公众面前，这个来自火星的空间怪物把鲍伊推上了音乐生涯的第一个高峰，这也是摇滚乐历史上最突出和最成功的形象之一。
到了80年代末，太空摇滚乐再一次回潮，新的太空摇滚乐队中排在最前列的要属来自英国的Spacemen 3。他们的音乐风格坚持沉重的单持续音与极端的简约主义，而他们臭名昭著的信条“Taking drugs to make music to take drugs to(嗑药、做音乐、再嗑药)”在日后影响了一大批在他们激发下组建的具有相似想法的乐队。一部分卷入到英国自赏乐派(Shoegazing)风潮的乐队就受到了太空摇滚的影响，而其中最具试验性的乐队，如 My Bloody Valentine 则持续影响并引发了太空摇滚的复兴运动。1991年，Spacemen 3 分裂成了两支乐队：Spectrum 和 Spiritualized; 其中后者采取了和原乐队完全相反的音乐手法，他们丰富了太空摇滚的声音，使得它更加豪华、轻柔、像管弦乐一般宏大，而这一切最终使他们成为了这种风格中最受欢迎的一支乐队。大部分后来的乐队要不就是奉行极简的方法，要不就是像 Spiritualized 一样极其奢华；偶尔他们还会在音乐中加入后摇滚与独立摇滚的元素。
太空声响音乐的浮出
和上面这些音乐家们创作的音乐不同的是，另一类关于太空的音乐也越来越受到人们的关注。这就是太空声响音乐。这个概念来自于具像音乐，是指将大自然中的各类声响利用磁带录制下来以后，通过调整转速和重叠等方法创造出新的声音，往往带来超现实的听觉体验。太空声响音乐承袭了这一观念，将美国宇航局发射到太空中的探测器录下各个行星发出的电波音频(原先是人耳无法听见的)，以电子设备转换到我们的可听频率内，目前已经有如土星光环，天王星的卫星米兰达，天王星，木星的最小的卫星等星体发出的自然星体音乐。
美国宇航局发射的飞往木星的探测器“卡西尼”号也收到了从木星上传来的一种非常怪异的音乐旋律，这是一种低频无线电波，据称这种电波被转化成声音之后听起来很像一种奇怪的民间音乐。科学家们说这些信号并非生命活动的迹象，而是在太阳风(solar wind)扫过木星强大的磁场时发生的一种现象。太阳风是从太阳发散出的一薄层带电粒子形成的气体。它碰到行星时和海浪拍打水上的船体时的效果一样。专家们认为这种碰撞就是引起这种电磁“太空音乐”的原因，这种声音是在距离木星2300万公里时收到的。
宇宙是如此神秘，太空这么遥远，和这些相比，人类的喜怒哀乐似乎是那么地微不足道。但是这些情感也许是我们唯一可以握在手中的东西，人类正是在所有的这些情感的激发下，创造了另一个世界。也许一个人永远都无法知道宇宙是什么，但他仍然可以通过音乐去幻想，去创造，去开始一个心灵的宇宙。
冥想放松（可以看作是一种高级的打盹方式）。在New Age风行的今日，冥想成为New Agers实践的一种重要方式，同时也产生了配合这种方式的音乐。在New Age音乐中就有很多的音乐就是专门为冥想活动而做的（有时是不太适合当音乐来听的）。这种音乐一般没有明显的节奏，音乐上表现地平滑、流畅，使听者能够放松身心，有时音乐家们也会借助一些自然的声效来加强意境的渲染。
凯尔特新时代是凯尔特主题、乐器和歌曲的混合，加上新时代的制作和情感。Clannad和Enyaare是这一流派最著名的人物，但他们并不是唯一专门从事这种融合的艺术家。这种梦幻般的、缥缈的声音在80年代末与恩雅的水印专辑一起进入了主流，并在90年代继续蓬勃发展。
顾名思义，集合日本元素的纯音乐系列！日本出了不少的大师，比如喜多郎！
Techno-Tribal是Ethnic Fusion的独特变种。尤其多见在一些激进的电子原音音乐家的作品中，他们将人类最原始的音乐表达和当今的技术手段（尤其是电子音乐技术）进行创造性的融合，具体来说就是将非洲、澳洲以及南北美洲的部落音乐节奏用高超的电子音乐重新演绎。创作这种音乐需要极高的技艺和对音乐的感知，如果音乐家能够成功地将以上两者结合在一起，则结果将是一部非常出色的作品，而反之，则将成为此音乐赖之以存的那些文化的拙劣模仿。
在新时代音乐的广泛运动中，新古典时期的新时代音乐受到早期、巴洛克或古典音乐的影响，特别是在旋律和作曲方面。艺术家可以将古典风格与现代元素结合起来创作原创作品，从而提供一种现代的作品安排。这一子流派的许多艺术家都是受过传统训练的音乐家。虽然新古典时代音乐有多种多样的风格，但一般都是旋律、和声和器乐，既使用传统乐器也使用电子乐器。类似的新古典主义元素除了新时代音乐之外，还可以在其他流派中找到，包括电子音乐、极简主义音乐、后摇滚音乐和新古典主义的黑暗浪潮音乐。
新古典主义的新时代类型可以追溯到上世纪70年代新时代音乐的起源。例如，Mannheim Steamroller的Fresh Aire和Vangelis的天堂和地狱(1975)是这一类型的两个早期例子。随着新时代音乐越来越多地强调灵感、放松、精神性和积极的感觉，新古典主义的新时代倾向于使用从浪漫时期开始的古典习语来强调艺术和审美的表达。
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